«윤형근을 다시 상상하다»
reimagine Yun Hyong-keun
August 26–October 3, 2026 | PKM & PKM+
· Public Open: August 26 (Wed), 2 pm
· Opening Reception: August 26 (Wed), 5–7 pm
PKM 갤러리는 8월 26일부터 10월 3일까지 전후(戰後) 한국 현대미술을 대표하는 故 윤형근 화백(1928–2007)의 개인전 «윤형근을 다시 상상하다»를 갤러리 전관에 걸쳐 개최한다. 이번 전시는 작가가 생전 거주하고 작업했던 서교동 주택 «윤형근의 집» 개관을 기념하여 마련된 기획전으로, 1970년대부터 2000년대까지 시기별 주요 회화와 한지 작업 등 엄선된 총 30점의 작품을아카이브 자료와 함께 소개한다.
1970년대 윤형근은 청색(blue)과 다색(umber)만을 활용한 ‘천지문(天地門)’ 회화를 발표하며 독자적인 예술 세계를 구축해 나갔다. 이러한 작업은 격동의 시대를 지나온 그의 삶과 분리될 수 없는 것으로, 본 전시는 조형 언어의 기틀을 다진 초기 작업부터 생애 말년의 회화에 이르기까지 30여 년에 걸친 윤형근의 화업을 큰 줄기로 엮어낸다. 나아가 삶에서 마주한 경험과 감정을 묵묵히 응축하고 화폭에 진실하게 담아내고자 했던 그의 예술적 태도를 다시 조명해 보고자 한다.
본관에서 처음 관객을 맞이하는 작품들은 1970년대 대형 ‘천지문’ 연작이다. 그는 1950년 전후로 국대안 반대운동, 보도연맹 사건 등을 겪으며 생사의 기로에 섰고, 숙명여고 교사 시절에는 부정입학 사건(1973)에 항의하다 구속되기도 했다. 1974년에는 장인 김환기(1913–1974)가 작고하면서 스승의 유산과 자신의 길을 되돌아보는 계기를 맞는다. 삶의 굴곡을 거쳐, 1970년대 윤형근은 일체의 화려한 색 대신 하늘을 뜻하는 ‘청색’과 땅을 의미하는 ‘다색’을 중첩한 절제된 회화의 첫선을 보였다. 화면 좌우로 솟아오른 청다색 기둥들은 천지를 잇는 동시에, 그 사이의 여백을 통해 열린 문이 된다.
이어 1980년대 중반부터는 색면이 대지처럼 화면 전체를 뒤덮는 대형 올오버(all-over) 회화나, 형상의 가장자리와 캔버스 옆면으로 번지는 물감의 층위를 실험하는 등 다양한 예술적 모색을 작품에 담아냈다. 본관 전시는 1970년대 초부터 1990년대 초까지의 작품을 아우르며, 그의 삶과 무관하지 않은 ‘천지문’ 명제와 그 깊이 있는 변주를 집중적으로 살핀다.
별관에서는 1990년대 이후 구조적 형태로 나아간 후기 작품들을 소개한다. 윤형근은 1991년 미국 미니멀리즘 조각가 도널드 저드(Donald Judd, 1928-1994)와의 역사적인 만남을 비롯해 동시대 국제 미술계와 활발히 교류하며, 더욱 확고하고 대담한 작품을 선보이기 시작했다. 풍부한 변주가 걷힌 자리에는 순수한 검정과 엄격한 사각형이 남았고, 오직 크기와 비례를 갖춘 군더더기없는 회화로 나아가게 된 것이다. 간결해진 화면은 작가가 평생 추구한 소박함의 품위를 가감 없이 드러낸다.
전시의 말미에는 네 점의 한지 작업이 놓인다. 윤형근은 1980년부터 약 2년간 가족과 함께 파리에 체류하던 당시, 한지 작업을이어 가며 바탕재와 물감 사이의 상호작용을 탐구했다. 그에게 한지는 물감을 자연스럽게 스며들고 번지게 하는 따뜻하고 포근하며 소담한 화포였다. 이후 2000년대 초에 다시 한번 한지 작업을 이어 가며, 이를 부수적인 드로잉이 아닌 독자적인 장르로 발전시켰다.
한편, 아카이브 자료는 윤형근 작업의 산실이었던 서교동 집의 과거와 현재를 보여준다. 가족과의 생활 공간과 작업실이 공존했던 이 집은 윤형근의 삶과 예술적 사유가 축적된 장소이다. “예술이란 생활 속에서 하나의 부산물이요, 흔적”이라고 말했던 윤형근이 살아온 시간과 작품이 태어난 자리를 함께 살펴보며, 전시는 예술과 하나였던 그의 삶으로 관람자를 다시 초대한다.
윤형근은 한국 단색화의 흐름에서 주도적인 위치를 차지하는 작가로서, 생전 상파울루 비엔날레(1969, 1975), 베니스 비엔날레(1995), 광주 비엔날레(2000) 등 영향력 있는 국제 행사 및 전시에 다수 초청되었다. 2018년에는 단색화 작가 최초로 그에게 헌정된 회고전이 국립현대미술관 서울관에서 개최되었으며, 이 전시는 이듬해 베니스 포르투니 미술관을 순회하였다. 그의 작품은 국립현대미술관, 리움미술관, 런던 테이트 모던, 마파 치나티 파운데이션, 시카고 아트 인스티튜트, 도쿄도 미술관 등에 영구소장되어 있으며, 타계한 지 약 20년이 지난 오늘날에도 세계 주요 미술관과 컬렉션에서 꾸준히 조명되며 국제적인 명성을 이어가고 있다.
PKM Gallery is pleased to present reimagine Yun Hyong-keun, a solo exhibition dedicated to Yun Hyong-keun (1928–2007), a central figure in postwar Korean art, on view from August 26 to October 3, 2026.
Presented across PKM and PKM+ to mark the opening of Yun Hyong-keun House in Seogyo-dong—the residence and studio where the artist lived and worked—the exhibition brings together 30 works dating from the 1970s through the 2000s. Major paintings from different periods, works on hanji, and archival materials offer a multifaceted view of the artist’s life and practice.
In the 1970s, Yun developed his distinctive visual language through his Cheonjimun (Heaven and Earth Gate) paintings, characterized by a restrained palette of blue and umber. These works are inseparable from the turbulent experiences that shaped his life. Tracing more than three decades of Yun’s practice, the exhibition follows the development of his pictorial language from early works to the increasingly pared-down paintings of his later years. It revisits the artist’s sustained commitment to condensing lived experience and emotion into a quiet, disciplined language of painting.
At PKM, visitors are greeted by large-scale Cheonjimun paintings from the 1970s. Around 1950, Yun endured life-threatening circumstances in the aftermath of such events as the National University Establishment Opposition Movement and the Bodo League Massacre. Later, while teaching at Sookmyung Girls’ High School, he was arrested in 1973 after protesting the school’s entrance-examination scandal. The death of his father-in-law and mentor, Kim Whanki (1913–1974), the following year prompted Yun to reflect anew on Kim’s legacy and to reconsider his own artistic path.
During this period, Yun developed a restrained mode of painting in which blue—associated with the sky—and umber—associated with the earth—are layered on the canvas. Vertical blue-and-umber forms rise along either side of the composition, while the open space between them evokes a gate connecting heaven and earth.
From the mid-1980s onward, Yun expanded his practice through large-scale compositions in which dark fields extend across the canvas. He also experimented with allowing pigment to seep beyond the contours of the forms and onto the sides of the canvas. The presentation at PKM spans works from the early 1970s to the early 1990s, focusing on the evolution and expansive variations of the Cheonjimun motif.
At PKM+, the exhibition presents paintings from the 1990s onward, a period in which Yun’s work moved toward increasingly reductive and rigorously structured forms. Following his encounter with the American Minimalist sculptor Donald Judd (1928–1994) in 1991, and through more active engagement with the international contemporary art world, Yun developed compositions of greater scale, clarity, and formal resolve. As the earlier variations of the Cheonjimun motif receded, deep, near-black tonalities and rigorously defined rectangular forms came to the fore. The resulting paintings are pared down to questions of scale, proportion, and presence, revealing the dignity of simplicity that Yun pursued throughout his life.
Toward the end of the exhibition, works on hanji are presented. During his approximately two-year stay in Paris with his family, beginning in 1980, Yun continued to work with hanji while exploring the relationship between pigment and support. For the artist, hanji offered a warm, soft, and modest surface that allowed paint to seep and spread naturally. He returned to the medium in the early 2000s, developing works on hanji not as preparatory drawings or a supplementary practice, but as an independent body of work.
The archival presentation traces the past and present of Yun Hyong-keun House, the site from which his artistic practice emerged. Within this home, the family’s living quarters and the artist’s studio coexisted, allowing the experiences of daily life and artistic reflection to accumulate over time. By bringing together the life Yun lived and the place in which his works were made, the exhibition invites viewers to reconsider an oeuvre inseparable from lived experience, echoing the artist’s words: “Art is a byproduct of everyday life, a trace.”
Yun Hyong-keun was a leading figure in the development of Korean Dansaekhwa and was invited during his lifetime to numerous influential international events and exhibitions, including the São Paulo Biennial (1969, 1975), the Venice Biennale (1995), and the Gwangju Biennale (2000). In 2018, the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, Seoul presented the first retrospective dedicated to Yun Hyong-keun as a Dansaekhwa artist, and the exhibition subsequently traveled to Palazzo Fortuny in Venice the following year. His works are held in the permanent collections of National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea; Leeum Museum of Art; Tate Modern; the Chinati Foundation; the Art Institute of Chicago; and the Tokyo Metropolitan Art Museum. Nearly 20 years after his death, his work continues to be recognized by major museums and collections around the world, sustaining his international reputation.